Fotografía: Aglaia Berlutti

Hay muchas maneras de componer y concentrar la atención en un elemento dentro de la fotografía,una de ellas es la perspectiva, el punto de vista, la composición cromática, la disposición de planos, pero ninguna tan efectiva y con resultados tan hermosos, estéticamente hablando, como el uso del foco selectivo y la profundidad de campo, así como la combinación de ambas.

El foco selectivo, como su nombre lo indica, no es más que enfocar un punto especial de la fotografía, que no necesariamente es el centro.  Ese punto especial es al cual queremos dar énfasis dentro de la composición.  Conseguir enfocar de manera selectiva dependerá de:

  • La selección de punto de foco correcto en nuestra cámara: debes investigar en tu manual cuántos puntos de foco tiene tu cámara y cómo puedes seleccionarlos y usarlos.  Si solo tiene un punto de foco (normalmente en el centro del cuadro), la recomendación es mover la cámara hasta que lo que quieres que aparezca en foco esté en centro, obturar (apretar el botón para tomar la foto) solo hasta la mitad, y sin soltarlo, reencuadrar la imagen hasta conseguir la composición deseada.
  • La distancia entre el punto de foco y la cámara: si estás muy cerca del sujeto, puedes tener problemas para enfocar, si tu lente no es Macro o no permite enfocar a cortas distancias. Si esto te pasa, verás que la cámara no te permitirá tomar la foto, la recomendación es alejarte un poco, quizás solo hagan falta unos centímetros.
  • El foco automático: acá tenemos que tener cuidado ya que si estamos usando el foco automático normalmente la cámara elegirá el punto más cercano, o el más luminoso, y esa elección no es necesariamente la que deseamos. Si no podemos controlarlo es referible que te pases al modo manual para enfocar.

La profundidad de campo es la distancia delante y detrás de ese punto de foco seleccionado, dentro de la cual cualquier objeto aparecerá enfocado.  Así una profundidad de campo corta o superficial, refiere a una distancia muy pequeña (pueden ser centímetros apenas) y una profundidad de campo amplia se refiere a una distancia muy grande, metros e incluso kilómetros. La profundidad de campo está influenciada por tres factores:

  • La apertura o diafragma:  mientras más abierto está (número de f-stop más pequeño, por ejm f2.8 a f4) más corta será la profundidad de campo; mientras más cerrado (f-stop más grande, por ejm f11 a f22) más amplia será la profundidad de campo.
  • La distancia focal (distancia entre los cristales del lente y el sensor o film): mientras mayor es la distancia focal, más corta la profundidad de campo. Así, aunque uses el mismo diafragma, si aumentas la distancia focal para acercarte ópticamente al sujeto (no físicamente), estarás recortando la profundidad de campo
  • La distancia física entre el sujeto y el lente: mientras más cerca esté es sujeto de la cámara más corta será la profundidad de campo.  Dada la misma distancia focal y el mismo diafragma, si te acercas más al sujeto comenzarás a ver como se difumina el fondo.  En este caso debes tomar en cuanta que si el lente no es Macro, o si no permite enfoques a distancias cortas, si estás situado a menos de 1 metro del sujeto podría ser difícil enfocar y en muchos casos simplemente la cámara no te permitirá tomar la foto.

La combinación entre la selección adecuada del punto de foco y una profundidad de campo muy corta, puede dar resultados hermosos al desenfocar todo lo que esté delante y detrás del punto en el cual estamos concentrando la atención. Esto nos permite agregar dramatismo, e incluso construir un mensaje dependiendo de qué está enfocado y que no lo está en una fotografía. También nos permite lograr el denominado efecto ¨Bokeh¨ que ya desarrollamos en tips pasados.  

Si usas estos valores en términos medios - no tan extremos- puedes lograr un un primer plano super enfocado y luego diferencias sutiles de foco en los demás planos, pero que permiten identificar los elementos que están el él sin distorsionarlos y dándoles un papel secundario dentro de la composición. 

Con estos datos estás preparado para experimentar!.. Recuerda que mientras más profundidad de campo tengas, más planos de tu fotografía estarán en foco, y mientras menos profundidad de campo, más desenfocados aparecerán los planos delanteros y fondo de tu punto de foco, llegando incluso a distorsionarse completamente apareciendo borrosos al 100%. 

Éxitos aplicando estas técnicas!

Fotografía: Tippex Mom Fotógrafo: Michael Meyersfeld

Desde cualquier punto de vista la fotografía publicitaria es una clara representación de la globalización, ya que no conoce de fronteras culturales convirtiéndose de esta manera en un lenguaje universal. Quizá, la fotografía publicitaria sea para muchos, la actividad más importante de todo el trabajo fotográfico, ya que aquí unimos lo que son las técnicas con nuestra creatividad, asumiendo el reto de crear una imagen atractiva y funcional que se adapte a los distintos medios de comunicación y a los intereses comerciales.

En comparación con otros géneros fotográficos, la fotografía publicitaria puede inspirarse en la realidad, pero lo que representa, es una realidad diseñada, y posteriormente construida, según un concepto prediseñado. A diferencia de otros generos fotográficos, la fotografía publicitaria construye el momento, la escena, y el fotógrafo se esfuerza por captarlos, utilizando todas las técnicas a su disposición. Esta forma de construir las imágenes, lleva asociado un carácter tolerante y abierto, aceptando todos los recursos necesarios, para que la imagen sea la más apropiada para el éxito de la campaña publicitaria. A diferencia de otros generos fotográficos, se podrá recurrir a diferentes técnicas y trucos con el objetivo de lograr la imagen deseada, manipulándola, si es necesario, sin que esto sea visto como algo negativo, ya que, en la fotografía publicitaria la justificación está en la funcionalidad de la imagen para lo que puede optar a todo tipo de recursos.

Para que una fotografía publicitaria se considere buena, la misma debe aprovechar la ventaja competitiva del producto, esto se traduce en explotar aquella característica que lo diferencia de los demás y su único propósito es el aumento de las ventas. Aquí les dejamos algunos FotoTips para tomar en cuenta a la hora de realizar fotografía publicitaria:


1.-Debes partir de un concepto, que generalmente viene de una agencia o creativo, pero el mejor de los casos es cuando las agencias te permiten intervenir, aportar ideas o el cliente te pide crear tu propio concepto para un producto dado, ya que puedes explotar al 100% tu lado creativo!
  
2.- En el momento de desarrollar el concepto (mucho antes de hacer ¨clic¨!) se debe considerar la relación de las ideas visuales con la marca (contexto), esto es asociar los elementos que identifican a la marca con una imagen que transmita sus características principales. Luego es muy importante identificar con qué tipo de público desea conectar (público meta: Edad, status social, gustos y aficiones) y los canales en los cuales se va a promocionar (Revistas, periódicos, Internet etc).

3.- La fotografía publicitaria exige, técnica y creatividad a partes iguales, así que no te concentres en una sola de ellas.  Es muy importante utilizar las técnicas de iluminación y recursos adecuados para el fin que se persigue

En Venezuela Gustavo Dao y Marcel Boldú son los fotógrafos más reconocidos en este ramo.

El límite es tu imaginación!!



Como es usual en la fotografía digital, es necesario hacer una separación entre los procedimientos  de laboratorio digital necesarios para revelar una imagen con la mejor calidad posible, de aquellos diseñados para para cambiar el carácter de la fotografía. Entrar en el mundo del revelado en duotonos, es entrar en esa dimensión que va más allá de lo regular y nos conduce al camino de cambiar las maneras de ver una fotografía y hacerla lucir distinta a como fue tomada originalmente, brindándole la personalidad que nosotros decidamos.  Pero antes que nada, es necesario decir, que el duotono no es exclusivo de la fotografía digital y que los procedimientos desarrollados en programas de edición no son más que una reproducción digital de lo que se logra en el laboratorio químico y tratamiento tradicional de la fotografía en blanco y negro.  Esto es muy importante, porque no faltará aquel que diga que desarrollar esta técnica no es más que un burdo "truco" de manipulación y que esto no es fotografía.  Para aquellos que piensen esto, solo les digo que, quien se adentre y domine el mundo del duotono y el blanco y negro en digital,  puede considerar que está desarrollando aquello que le hace falta para ser un fotógrafo integral: saber revelar.

Dicho esto, vale bien la pena definir qué es un duotono.  Duotono, como su nombre lo indica, es una técnica de revelado digital que reproduce el denominado "virado" del revelado y copiado tradicional. El "virado" no es más que dar una o varias tonalidades de color a una fotografía tomada originalmente en film en blanco y negro.  Esto solamente adiciona otra "dimensión" a las tonalidades grises, blancas y negras, dándole una atmósfera fría o cálida, dependiendo del tono utilizado.  Una fotografía en duotono utiliza dos colores para el virado, uno para las sombras y tonos medios oscuros, y otro para las zonas más luminosas o tonos medios claros.  

No es igual a una fotografía duotono a una fotografía bitonal; la primera es una fotografía en blanco y negro con uno o más tonos de color digamos que "sobrepuestos" (el duotono clásico es el tratamiento SEPIA), y la segunda es una fotografía a color en donde predominan dos tonos (un ejemplo clásico de una fotografía en bitono es cuando usamos procesos de desaturación/saturación o desaturación selectiva - dejar toda la fotografía en Blanco y Negro y solo ciertos objetos en color, así sea desaturado).  

Varias recomendaciones para lograr una bella atmósfera en duotono:

1) No todas las fotografías lucen bien en duotono.  Es mejor usar fotografías poco contrastadas en las cuales se distinga bien el tema o sujeto, de preferencia con sombras profundas, de ese modo cuando apliques el tratamiento no corres el riesgo de que no se distingan los elementos en la imagen. 

2) Nunca trates de crear un duotono simplemente sobreponiendo capas de baja opacidad de color a una fotografía a color, de hacerlo obtendrás una mezcla que puede resultar interesante, pero definitivamente no es un duotono.  SIEMPRE el primer paso es revelarla al blanco y negro para luego, sobre esa base aplicar el tono que deseas a la fotografía. Para evitar la manipulación de contrastes la recomendación es sencillamente pasarla a "escala de grises", de ese modo, además, se activará la función "duotono" de Photoshop.

3) Define adecuadamente los colores.  Si deseas crear un efecto armonioso y sobrio, elige dos tonos similares (por ejm. marrón oscuro para las sombras y amarillo tostado para las zonas luminosas) y si deseas algo más radical selecciona colores brillantes y contrastantes (por ejm. negro+rojo brillante, o morado+azul).  

4) Ajusta el nivel de color que quieres en cada rango de luces, sombras o tonos medios de acuerdo a tu gusto a través de las curvas, y ajusta el contraste solo después de haber aplicado las capas de color, de ese modo lo estarás haciendo sobre un resultado final para darle más dramatismo a las sombras si así lo deseas.

5) A pesar de que existen filtros pre-diseñados y programas que con un solo clic crean efectos duotono, te recomendamos hacerlo por ti mismo aplicando los pasos clásicos en Photoshop o programas de edición si tienes acceso a ellos.  A continuación un pequeño tutorial en video (a pesar de estar en inglés se entiende muy claramente): http://artegami.com/video-tutorial-de-duotono-en-photoshop/

Mucho éxito con sus experimentos!


Texto y Fotografía: Arlette Montilla

Minimalismo es sinónimo de simplificación, de reducir algo a sólo lo necesario, eliminando todo lo sobrante. Surge como corriente estética alrededor de los años '60 y comienza a aplicarse principalmente en la arquitectura y diseño de artefactos domésticos, música, pintura, escultura y en la fotografía. Cuando se habla de minimalismo en fotografía debemos remitirnos inmediatamente a sencillez, elegancia, geometría, una imagen limpia que nos genera un descanso visual y nos remite automáticamente a cierta sensación de tranquilidad. 

Aquí les dejo cinco consejos prácticos para conseguir hacer fotos que podrías llamar minimalistas:

1) Concentra el foco en un solo objeto; sí, se trata de eso, de no incluir varias cosas en una misma imagen sino que una sola de ellas se convierta en protagonista, en el punto de atención.  Recuerda que los sujetos fotográficos, no solo son objetos o personas, también una sombra, un borde, algo completamente abstracto puede convertirse en un sujeto muy interesante de ser fotografiado.

2) Toma tantas fotos como puedas de ese mismo sujeto; cambia ángulos, perspectivas, punto de vista, no te quedes con una sola opción, dispara sin ahorrar memoria, la idea no es hacer una obra de arte de cada foto, sino conseguir desarrollar la idea. 

2) Evita los fondos distractores; para darle "limpieza" a la imagen procura que el fondo no distraiga de ningún modo. En la fotografía minimalista predominan los fondos de colores neutros y sin elementos adicionales.

3) Utiliza una profundidad de campo muy corta o la técnica "bokeh", para difuminar cualquier elemento que pueda distraer del primer plano. Esto no solo te ayudará a conseguir el consejo número 2, sino a concentrar la atención en tu sujeto principal y darle mucha elegancia a tu fotografía.

4) El uso de las líneas de composición (diagonales, horizontales y verticales) y del espacio negativo son excelentes aliados de un resultado minimalista en tus fotografías.  

5) Mira la naturaleza con atención; una rama, una pequeña flor, una hoja en el piso ... focaliza tu mirada y aisla los elementos, trata de crear silencio en la imagen colocando estos elementos fuera de su contexto visualmente a través de la composición, encuadre y desenfoque selectivo. 

Aquí les dejo otro artículo interesante con otros consejos para alcanzar el minimalismo en tus imágenes.  Nos vemos!